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Nipple Kiss Photograph by Pixy Liao Chosen by Federica Chiocchetti

From the 2013 series For Your Eyes Only.
From the 2013 series For Your Eyes Only.
Pixy Liao

I’ve always wondered how male and female anatomical differences translate into psychological ones, but every time I try to address the thought, I run into platitudes. The history of gender identity is one of constructed conformity told to us in binary oppositions by religion, the media, mainstream education, and socio-political and cultural systems: nature (women) versus culture (men), weakness versus strength, and feminism versus patriarchy. The real challenge lies in identifying non-binary differences. So, can a more nuanced, less black-and-white approach be taken? Pixy Liao’s Nipple Kiss, from her 2013 series For Your Eyes Only, suggests such a way. Unlike genitals, nipples are body parts that we – men and women – have in common. But this protuberance of the mammary gland is distinct in that females only have naturally open lactiferous ducts, from which milk is drawn by the infant. Though some movies of doubtful taste have attempted to portray the dystopian scenario of pregnant men – Arnold Schwarzenegger’s gravid scientist in Junior (1994) comes to mind – male pregnancy is and should remain inconceivable. A nipple kiss consists of the encounter of two similar surfaces without penetration – without, that is, any “colonising” dynamics. Each nipple tenderly touches the other, yet maintains its independence. Hence, paradoxically, even though male and female nipples are alike, because of the different functions they perform, and the different symbology they evoke – i.e. maternity in women – they represent to me, emphatically in Pixy Liao’s image, a sophisticated metaphor for this challenging task of finding non-binary differences, and in preserving them.

Federica Chiocchetti is a writer, curator, editor and lecturer specialising in photography and literature. Through her platform, Photocaptionist, she collaborates with institutions such as the Maison Européenne de la Photographie (MEP) and Fotografiemuseum Amsterdam (Foam). A PhD candidate in photo-textualities at the University of Westminster, she recently guest-edited issue 16 of Aperture’s PhotoBook Review.

Self-Portrait Photograph by Samuel Fosso Chosen by Ekow Eshun

From the 70’s Lifestyle series, SM 29, 1975-78.
From the 70’s Lifestyle series, SM 29, 1975-78.

In 1975, aged 13, Samuel Fosso set up his own photography studio in the Central African Republic, having fled the Biafran War in Nigeria. After closing time, his clients done with, he acquired the habit of taking his own photographs. Picturing himself in flares and platform boots was, in part, an act of discrete rebellion against the censorious rule of Jean-Bédel Bokassa, the self-declared Emperor of Central Africa, who had instituted a ban on tight-fitting clothes. But his self-portraits, which were never originally intended for public display, also play with representations of masculinity, gender, status and sexuality. In one image Fosso presents himself wearing only dark underpants and a pair of white gloves. He stands side-on to the camera, his eyes cast down towards the tiled floor and the gloved hands at his hips calling attention to his crotch. In other pictures, he takes on a variety of guises: a dandy in voluminous bell-bottoms; a modest guy with his back to the camera; a louche figure in underpants. For all that such pictures were made in private, they still look as though Fosso had an audience in mind when he made them. In some of the portraits the camera is set far enough back to reveal the surrounding studio lights. Fosso seems to be signalling the artificiality of his setting. Perhaps, too, he’s proposing that maleness itself is an artificial proposition. In his portraits, being a man is not a singular fixed proposition, a way of being that’s fixed in the body. Instead it becomes a pro- visional state that’s open to perpetual redefinition. It is a performance always in the making.

Ekow Eshun is the author of the newly published book Africa State of Mind: Contemporary Photography Reimagines a Continent. (Thames & Hudson). He is a writer and curator and the former director of the Institute of Contemporary Arts (ICA), London. He has contributed to several books and catalogues. His writing has appeared in publications including The New York Times, Financial Times, The Guardian, Aperture and Wired.

Father and Son Watching a Parade Photograph by Chris Killip Chosen by Simon Bainbridge

Father and Son Watching a Parade, West End, Newcastle, Tyneside, UK, 1980.
Father and Son Watching a Parade, West End, Newcastle, Tyneside, UK, 1980.
Chris Killip

The year is 1980. The scene is a deprived neighbourhood of Newcastle, a once-thriving city famed for its coal and shipbuilding, now on its uppers. No longer a powerhouse of industrial revolution, a masculine archetype has also begun to fade – the proud certainty of the working man. Far away – 280 miles, to be precise – the Blitz Kids are styling themselves as the New Romantics. At their eponymous Tuesday-night club in London’s Covent Garden (where Steve Strange was the greeter, Boy George worked the cloakroom, and fashion student John Galliano was among the androgynous regulars), they were redefining masculinity in their own terms, as a kind of pantomime of the absurd. These two realities – far away, so close – still coexist. But today, gone is the shock of the new. It’s easy to see the Blitz club goers as gender-bending forerunners, and the father and son pictured here as a distant glimpse of a forgotten era, now confined to the postindustrial dustbin. And yet I see so much to admire in that father’s face. I identify with the vulnerable yet protective masculinity so deftly captured by the photographer Chris Killip while working on In Flagrante, 15 years in the making, and now regarded a photobook classic. In 1980, I would have been a little older than the boy here, but there’s not much in it. My father carried me upon his shoulders. We were not poor, but he’d come from a similar place. Born in Liverpool during the war, he’d lost his father to tuberculosis at around the same age as the boy in the photograph. And now my children sit on my shoulders. There’s something in this photograph that touches me directly; a continuity.  I’m both parent and child; the masculine me, passed down from father to son.

Simon Bainbridge is editor-in-chief of the British Journal of Photography, and editorial director of 1854 Media, where he has initiated projects such as Portrait of Britain, a countrywide exhibition reflecting on national identity. His first book, Magnum Artists: When Great Photographers Meet Great Artists, is published by Laurence King this autumn.

Bodhi Photograph by Casper Kofi Chosen by Elisa Medde

Bodhi, 2018, © Casper Kofi.
Bodhi, 2018, © Casper Kofi.

Some time ago, while sort of wrestling my two boys in a solo parenting moment, I met someone and she giggled, “Wow, you really are outnumbered now! Good luck, boys will be boys!” I zoned out looking at my oldest, back then rocking long golden locks, thinking of how many times I’d been told, “What a lovely little girl you have!” What did she mean? What she said felt weird and randomly stereotyping, but hit a nerve. Me and their father had long discussions before the first one was born, and we decided that our family would be an ongoing experiment. What happens when you educate kids in such way that no task or behaviour or colour or toy or emotion is associated with gender? What for me was a political necessity, something coming from a rational elaboration, for him was his personal revolution as a man and his instinctive approach on fatherhood. “This way”, I remember him saying, “we have better chances to grow decent, free human beings.” And over the years, I am discovering what it means when boys are free to be whatever they feel: they can be stubborn, sensitive, scared, proud, creative, hilarious, fragile, caring, annoying, petty, loving, binary and extremely complex. They can be superheroes, and dress like princesses. Is this surprising? Is this masculine? Is this feminine? They could not care less. This is our problem as adults using words that need a binary gender system to exist and be defined. I have often been defined as masculine, and my son as very feminine. These words mean nothing to me. But then, when trying to visualise how I wish my kids to be, the images of Casper Kofi come to mind. The absolute, simple and powerful joy of being free, the possibility to shine and evolve into the best version one wants, or can, be. Kind, caring, happy, strong superheroes. Whatever gender they will end up being. Elisa Medde edits, curates and writes about photography. With a background in History of Art, Iconology and Photographic Studies, her research reflects on the relations between image and power. She has been a nominator for the Mack First Book Award, Prix Elysée, The Leica Oskar Barnack Award and MAST Foundation for Photography Grant amongst others, served in a number of juries and written for Foam Magazine, Something We Africans Got and other publications. Since 2012, Elisa is the Managing Editor of Foam Magazine.


L'UOMO, May 2020

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La mattina di un giorno così, un uomo originario del Sud italiano, che non aveva mai amato se stesso né il proprio nome (perciò non lo diremo), entrò in casa dopo una breve e febbrile passeggiata in giardino quando udì una voce femminile cantare in lontananza. Era un vecchio motivetto sdolcinato, una di quelle canzoni che tutti ricordano benché nessuno possa dirne il titolo preciso né l’interprete né niente. L’amore, il cuore e il languore – le solite sciocchezze. Tuttavia, non avendo nulla da perdere e poiché immaginava che il suo nome sarebbe rimasto segreto, l’uomo cominciò a canticchiare anche lui: da principio in sordina, un po’ incerto, intimidito dalla voce melodiosa e orizzontale della donna, poi con maggiore convinzione e felicità. Finché sia la donna sia lui tacquero di colpo e nello stesso istante.

Passarono quel giorno e i giorni seguenti. Ogni voce sembrava tacere in ritirata. La primavera invece avanzava come un esercito invincibile e splendente: il glicine studiava le sue strategie rampicanti, i calabroni elaboravano il proprio volo ripetitivo e vagamente minaccioso, le rose preparavano la riscossa sotto forma di boccioli. Nel silenzio generale, solo gli insetti ronzavano fastidiosi e gli uccelli battibeccavano. Ogni mattina l’uomo che non amava se stesso né tantomeno il proprio nome (e per questo forse ne era geloso) si alzava molto presto e passeggiava nervosamente in giardino: con ogni probabilità, sperava che al rientro in casa avrebbe udito di nuovo la voce femminile intonare la canzone di cui non gli riusciva di sapere il titolo né l’interprete né niente e, poiché non la udiva, ogni giorno era per lui una sconfitta.

Alla quinta settimana di silenzio – eppure la campagna intorno ribolliva di suoni, di versi e richiami incessanti che ormai detestava – l’uomo decise senza deciderlo davvero di mettersi a cantare da solo quella sciocca canzone senza titolo né autore, perché alleviava la sua solitudine e perché in fondo era meglio che niente. Fu così che di nuovo udì la voce della donna, melodiosa e orizzontale, spandersi in casa e fuori con gentilezza e gratitudine. Pronunciava le vocali aperte come nel Sud italiano, era tonda, promettente, nascosta nel segreto del suo nome. E poiché quell’uomo poteva amare gli altri ma non se stesso, riconobbe senza tanti fronzoli che la voce femminile era la sua e la amò.

Nato nel 1958, Mario Fortunato ha diretto l’Istituto italiano di cultura di Londra ed è editorialista della “Süddeutsche Zeitung”. Critico letterario, traduttore di autori come Maupassant, Virginia Woolf e Evelyn Waugh, ha pubblicato libri di narrativa, saggi e memoir. In uscita a breve il suo nuovo romanzo, “Sud”, pubblicato da Bompiani come tutti i precedenti.


In apertura: la cover con Grimes scattata da Ryan McGinley. Styling di Patti Wilson.

Da Vogue Italia, n. 837, maggio 2020

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La bella stagione è arrivata e con lei è terminato anche il lungo lockdown. Per festeggiare il ritorno a una prima parvenza di “normalità”, cosa c’è di meglio di una buona bottiglia di vino per brindare? Però che sia quella giusta, si tratta di un avvenimento importante!

Ecco i nostri 10 consigli per le bottiglie da stappare in questi giorni.

Cuvée ’More Pas Dosé - Castello di Cigognola

Nell’Oltrepò Pavese ci sono 3000 ettari vitati dedicati al Pinot Nero, praticamente più qui che in tutta Italia. Ma in molti ancora ignorano questo territorio poco distante da Milano, e così perdono l’occasione di assaggiare grandi vini. Il Pinot Nero qui gode dei terreni argillosi e il 45° parallelo su cui cresce gli permette di avere ottime maturazioni. Nel Castello di Cigognola si fa sul serio, la “maison del Pinot Nero” produce spumanti secondo metodo classico con una cifra stilistica propria, in grado di emozionare davvero. Eleganza con bollicine dal frutto maturo e dal dosaggio ridotto, come nel caso della Cuvée ’More Pas Dosé, grandissima freschezza che si esprime con frutti rossi, pesca noce e mela verde. Nel bicchiere immediatezza e corposità convivono per una bevuta appagante e continua. Anche nel caso della versione “Brut” meno leggiadra ma più ricca in cui la frutta matura ed esotica, in primis il mango, la fanno da padrone lungo un nervo acido costante. D’altronde dove c’è creatività c’è evoluzione.

Prosecco Superiore di Conegliano Valdobbiadene Docg Alice .G - Le Vigne di Alice

Siamo nell’alta collina trevigiana dove le viti di Prosecco Superiore crescono sulle pendici dichiarate Patrimonio dell’Umanità. Qui dai primi dal 2005 Cinzia Canzian ha messo in piedi la sua azienda “Le Vigne di Alice”. Dimenticate l’idea generalista e fuorviante che avete del Prosecco, mettete da parte i (pre)giudizi spesso negativi riguardo bollicine frivole senza carattere, e assaggiate il suo .G metodo classico da uve Glera. Che bomba, è ricchissimo e intenso, profondo e ampio, si presenta con le note più sobrie di mela e si espande con buona presenza di polpa e ricordi costanti di frutta matura; minerale e speziato, accattivante e godurioso, un Prosecco sui generis che compone una famiglia variegata e da scoprire. “Life is a bubble”, come dice Cinzia, se sono tutte come le sue sarà una bella vita.

Soave Classico Doc Calvarino - Pieropan

Difficilmente assaggerete un Soave di questa caratura. Nella zona classica collinare di Soave si estendono i vigneti della famiglia Pieropan, giunta alla quinta generazione, tra cui il cru Calvarino da cui si ottiene l’omonimo vino, espressione più tradizionale e autentica del vino Soave la cui prima etichetta risale al 1971. Garganega 70% e Trebbiano di Soave 30%, è particolarmente longevo, vi stupirà assaggiare qualche vecchia annata (se siete fortunati) ma è un fuori classe fin da subito. Proviene da un terreno gessoso che gli conferisce una piacevole sapidità e mineralità. Calvarino è elegante e piacevolissimo, il profilo floreale ne delinea la grazia e l’ampio bouquet fa divertire: dalla pera al melone bianco, dalla mela fino alla nocciola che ne denota la caratteristica riconoscibile. Elegantemente sapido, lungo e persistente, un campione. Quando poi sarete pronti, concedetevi il vino “La Rocca”, indimenticabile.

Colli Aprutini Pecorino IGT - Emidio Pepe

Il venerato maestro del vino abruzzese ha dato tanto all’Abruzzo vinicolo e continua a farlo. A Torano Nuovo, sulle dolci colline teramane, fu il primo ad innalzare i due vitigni identitari della regione, Montepulciano e Trebbiano, iniziando gli imbottigliamenti ormai sessanta anni fa. Classe 1932, Emidio Pepe è ancora lì a calpestare la terra, ciò che bevete proviene ancora (davvero) dalle sue azioni sagge e ripetute ma mai sistematiche. Il lavoro ancestrale svolto dipende solo dalla natura e così vale per i vini prodotti, un tutt’uno con il territorio, un sorso d’Abruzzo mai così autentico. Ma oltre i due capisaldi con i quali la famiglia si è fatta apprezzare nel mondo, in produzione c’è anche il più recente Pecorino, un bianco suadente e generoso. Di spessore e tattilità dimostra da subito la firma Pepe con cui il varietale è integro e chiaro, sincero e totale. Di grande fascino tra toni erbacei e croccantezza prolungata, versatile e lunghissimo.

Terre Lontane IGT Calabria - Librandi

Non si può parlare della Calabria vinicola senza far riferimento alla famiglia Librandi e alla sua cantina di Cirò Marina. Un’azienda (e un nome) importante che è riuscita a dare al vino calabrese il posto che merita. La produzione è decisamente variegata, con un focus molto interessante sui vitigni autoctoni, spesso sconosciuti. Ma non più, come nel caso del Terre Lontane, un rosato energico prodotto per il 70% con uve Gaglioppo (restante Cabernet Franc). Esprime l’eleganza della viticoltura calabrese e il potenziale della Val di Neto da cui proviene, è uno dei fiori all'occhiello della cantina. Un vino gradevole ed equilibrato in cui complessità e profondità si sposano con leggerezza e freschezza; i profumi al naso sono principalmente fruttati con un sottofondo sontuoso di note salmastre e marine. Un rosato di pronta beva, dall’ottima acidità che in bocca rende il sorso piacevole e molto scorrevole. È fresco, equilibrato, asciutto, ideale durante l’estate in abbinamento a piatti freddi, perfetto per le ricette estive, soprattutto a base di pesce e per gli amanti degli aperitivi prolungati.

Blauburgunder Mazon Alto Adige DOC - Kollerhof

Alto Adige, patria italiana del Pinot Nero. Siamo a sud della regione esattamente in località Mazon, tra le zone più vocate per la produzione di questo vino. Qui la famiglia Visintin produce tra forti escursioni termiche e regimi biologici, dando alla luce grandi vini. Ne è esempio il Blauburgunder, succoso e concentrato, un Pinot Nero dalla spiccata personalità. Il naso si presenta con piccoli frutti di bosco ben delineati e in evoluzione spuntano le ciliege sotto spirito e il torrone mandorlato. La bocca è sapida, l’acidità spiccata, la persistenza buona e il tannino morbido perfettamente integrato. Un vino che invoglia sempre al sorso successivo per cui, forse, una bottiglia non basterebbe, inoltre è da provare anche a qualche grado in meno rispetto ai normali 18°.

Cannonau di Sardegna DOC - Antonella Corda

© pierluigi dessì/confinivisivi

A sud dell’accogliente Sardegna, nel territorio di Serdiana, la giovane agronoma Antonella Corda produce il suo Cannonau con grande maestria e slancio. È un vino che segna la nuova strada del Cannonau: mettete da parte l’idea che avete di questo vino come pesante, molto alcolico e a tratti indigesto, qui è tutta un’altra musica che allieterà le vostre serate, anche quelle estive. La scelta di fare macerazioni delicate e brevi passaggi in botti non tostate esaltano e premiano gli aromi tipici di queste uve. Il naso aggraziato ricorda prima la ciliegia e la rosa e poi la frutta secca, arachidi e pistacchi, un abbraccio di macchia mediterranea; di beva agile e snella, la parte alcolica è ben presente e in evoluzione si esprime anche con note salmastre e marine. La bevuta è tanto scorrevole quanto armonica, con un tannino tenue e una persistenza che invoca il bis.

Chianti Meme Superiore - Fattoria di Petrognano

Parole d’ordine semplicità e agilità per questo Chianti fresco, dalla buona acidità e bevibilissimo. Il Meme Superiore è prodotto a Montelupo Fiorentino (da coltivazioni a regime biologico) con maggioranza di Sangiovese (95%) e la restante parte di Canaiolo, il vitigno storico della formulazione tradizionale del Chianti, che gli dona un tocco di morbidezza in più e una nota amarognola appena percepibile sul finale. Al naso è lineare su frutta rossa matura, soprattutto mirtilli, in bocca è vibrante e scorrevole con il tannino misurato. La bevuta è doppia grazie ad una buona persistenza che riporta ai sensi la lieve speziatura tipica del Chianti. La bottiglia assaggiata (2018) custodisce un vino versatile di cui va premiata la piacevolezza generale e la leggerezza, perfetto anche, come in questo caso, con una pizza ai funghi porcini.

Brunello di Montalcino Riserva 2012 - Biondi Santi

Armonia, eleganza e accessibile complessità caratterizzano un vino prodigioso che ha davanti a sé cento anni. Non esiste un momento giusto per un vino di questo tenore, ogni momento, se voluto, è quello perfetto. Tutti gli appassionati enoici conoscono Tenuta Greppo, casa di Franco Biondi Santi, padre del Brunello di Montalcino; qui è stato scritto un capitolo importante della storia vitivinicola italiana che oggi continua a vivere (anche) grazie a questa etichetta. Nella storia della famiglia, dal 1888 fino ad oggi, la Riserva è stata prodotta soltanto 39 volte, di cui ben 24 a firma del signor Franco. Un tocco inconfondibile di raffinata struttura, armonia, gioventù predestinata sin dall’inizio come nel caso della 2012 appena in commercio: evoluzione negli anni e lunghissima vita in bottiglia ma già ora presenta una beva emozionante e tenue, delicata e piena, i tannini fitti e levigati sono in perfetto equilibrio con l’acidità.

Collepiano Sagrantino di Montefalco - Arnaldo Caprai

Quanta storia tra i vigneti umbri in cui da secoli si coltiva il Sagrantino. Marco Caprai ne esalta l’identità e ne rispetta la storia. I vini prodotti sono diversi (anche bianchi tra cui spicca il Grecante -100% Grechetto- dalle spalle larghe) ma il Collepiano è come un amore che non si dimentica, conforta ogni volta che lo si rincontra. 100% Sagrantino è intenso con nuance di frutta matura e confettura di mora, un banco di spezie ed erbe aromatiche come rosmarino e salvia, fuse nella tenue amarena che riempie la bocca. Nella bevuta il tannino è vispo (annata 2015 assaggiata), il sorso è morbido, setoso e persistente, con un lungo finale che riporta alla polpa di ciliegia, visciola, amarena, un excursus nella famiglia dei frutti rossi. Si prospetta grande longevità per il Collepiano ma se non avete voglia di aspettare concedetevelo già da subito, semmai con una cena degna di nota a base di selvaggina di pregio.

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Ilary Blasi ha sfoggiato un nuovo look trendy e griffato per una delle sue prime uscite di questa fase 2. La showgirl, dopo aver girato insieme al marito per le strade di Roma con anfibi e marsupio, ha optato stavolta per un tocco più femminile, indossando un top a manica lunga animalier con jeans chiaro e un paio di décolleté nere in pelle di Gucci.Continua a leggere

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Il trucco si sa non va molto d'accordo con le mascherine, ma è anche vero che un modo bisogna trovarlo. Sopratutto se teniamo in conto che non abbandoneremo i dpi così tanto presto. Basta seguire alcuni piccoli accorgimenti, per evitare che il nostro make up si sbavi e duri poco. Puntare sugli occhi è l'arma vincente, ma non è detto che dobbiamo per forza rinunciare ai nostri amati rossetti.Continua a leggere

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Il 23 maggio 1992 Giovanni Falcone, la moglie Francesca Morvillo e tre agenti della scorta persero la vita nella strage di Capaci. Ma chi era davvero Francesca? Non solo la moglie di un uomo che aveva dedicato la sua vita alla lotta contro la mafia, ma una donna forte che ne aveva saputo condividere i fardelli, spinta come lui dall'immenso amore per la giustizia.Continua a leggere

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Durante il periodo di smartworking o quando siamo in ufficio seduti alla scrivania spesso assumiamo posture sbagliate che danno problemi alla schiena, al collo e al trapezio, creando fastidiose contratture e infiammi. Per evitare tutto questo basta fare degli esercizi mirati per sciogliere i muscoli e allungare la schiena. La fitness coach Ilaria Berry ci spiega come fare alcuni semplici esercizi per migliorare la postura.Continua a leggere

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Per trovare lo shampoo più efficace per i neonati e per i bambini, dobbiamo optare per prodotti delicati e poco aggressivi. È consigliabile scegliere shampoo con formulazioni a base di ingredienti naturali, lenitivi ed emollienti, in grado di trattare la cute sensibile dei bebè. Inoltre non dobbiamo dimenticarci di guardare al tipo di pelle e al pH del prodotto, Ecco allora i 10 migliori shampoo per neonati e bambini da acquistare.Continua a leggere

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Che sia un'esperta in fatto di trucchi, è cosa ben nota. Ma forse per i capelli è meglio non imitarla. Giulia De Lellis ha confessato su Instagram di aver lavato la folta chioma con un sapone per i piatti, per riuscire a sgrassare la cute piena di olio dopo aver fatto uno shooting fotografico. La risposta di follower e parrucchieri non si è fatta attendere.Continua a leggere

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Normale che la moda reinterpretasse l’accessorio obbligatorio del momento: la mascherina. Un’idea in più viene da Just A Corpse, griffe di dancewear irresistibile anche fuori dalla sala ballo, che nell’ultima collezione ha inserito una capsule di mascherine, ideali per i ballerini che stanno riprendendo lezioni e prove, nonché per il pubblico del balletto che spera di tornare presto ad ammirarli a teatro.

«L’idea ci era venuta già alla fine dello scorso anno, durante un viaggio di lavoro in Asia» ci racconta Valerija Kelava, fondatrice del brand insieme a Uros Belantic. «A Seul, Tokyo, Shangai, città che anticipano trend e stili, l’uso della mascherina era già consuetudine, non solo come dispositivo protettitivo, ma anche quale accessorio di stile. A pandemia esplosa abbiamo deciso di creare la nostra versione: l’abbiamo ideata e messa in produzione, nonostante le difficoltà del lockdown totale. Avevamo a disposizione solo tessuti che usiamo regolarmente per i nostri capi e che avevamo in casa. Offrire il prodotto prima possibile era una delle nostre priorità».

Just A Corpse
Just A Corpse

Questa prima edizione è disponibile nei tre colori signature del brand: nude, blush e blue jeans, oltre a una variante fantasia. Il modello, che come tutti i capi della coppia reinterpreta il motivo del drappeggio a ispirazione di Madame Grès, è composto da due strati di jersey tecnico all’interno e altri due strati di tulle stretch drappeggiato all’esterno: gli stessi tessuti dei body Just A Corpse. Se la maschera è estensibile e si modella intorno al basso volto, i laccetti regolabili, sistemati intorno alla testa, garantiscono tenuta per il movimento. L’ideale per danzatori, che da quando a fine aprile le mascherine sono apparse sul webstore del brand – indossate da Valerija che è anche una nota modella  – si sono affrettati a ordinarle. «Crediamo che le mascherine saranno ormai la norma delle nostra quotidianità, un nuovo, essenziale accessorio. Anche per la danza: noi non vediamo l’ora che i teatri riaprano e saremmo lusingati di vedere i nostri modelli indossati dal pubblico e dai danzatori. Certo questi accessori ci stanno aiutando a far conoscere il nostro brand anche oltre il mondo della danza».

Un salto che Just A Corpse sta già compiendo grazie alla preferenza di stelle del balletto che sono anche global celebrities e Instagram influencers: Dorothée Gilbert e Amandine Albisson étoiles dell’Opéra di Parigi, Lauren Cuthbertson Principal dancer e Melissa Hamilton First Soloist del Royal Ballet, Maria Kochetkova étoile internazionale e la giovanissima ballerina del Bolshoi Stanislava Postnova aka Ruby Tear. «Uros Belantic, il nostro head creative, è stato danzatore prima di iniziare il suo training a Vienna con Helmut Lang e proseguire la carriera a Parigi come fashion designer. Qui  ha messo insieme i suoi due mondi disegnando costumi per il balletto e la danza contemporanea».

Just a Corpse
Just a Corpse

La sede creativa inizialmente a Parigi, oggi Just A Corpse fa base in Slovenia, a Lubiana (città d’origine di Valerija e Uros), più efficiente e sostenibile visto che qui è localizzata la produzione, nazionale e artigianale. Una scelta rivelatasi utile per la piena operatività durante la pandemia. Mentre il mercato, oggi principalmente asiatico nella distribuzione, cerca nuovi modi per raggiungere la clientela occidentale, anche in Italia.   

«In costante contatto con i danzatori, sviluppiamo un nuovo approccio al design del dancewear cercandone l’evoluzione» spiega Valerija. «Il concept del nostro brand è uno sportwear per professionisti ideato come sofisticato capo fashion. Disegniamo i nostri capi pensando alle ballerine professioniste: leotards e unitards, skirts, leggings, tops, bralettes, jackets, jumpsuits, pezzi leggeri, confortevoli, fluidi per il movimento, considerando che per il loro stile di vita frenetico e impegnativo hanno bisogno di un abbigliamento a strati, con il body a pelle come primo strato. Non per niente proprio il body è il pezzo simbolo di Just A Corpse: un capo contemporaneo ibrido, che può essere leotard da danza ma anche top da sera o costume da bagno».   

In tal modo la collezione attira non solo ballerine di professione, ma anche danzatrici amateurs, spettatrici della danza e appassionate d’arte, come rivela l’ultima collezione, “The New pre Raphaelite”, ispirata a motivi preraffaelliti. Anzi, secondo quanto riferisce Valerija, sono proprio queste le donne che più divulgano la versatilità di un dancewear che diventi stile, per il giorno e per la sera.

Per scoprire di più: il sito del marchio Just a Corpse e la pagina dedicata alle mascherine

Just a Corpse
Just a Corpse

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L'haute couture del 900 è caratterizzata da grandi protagoniste femminili, da Jeanne Lanvin a Madeleine Vionnet

La grande couture del 900 è oggi attribuita a una ristretta e rinomata cerchia di artisti, che con ingegno, ispirazione e una non trascurabile dose di visionarietà, hanno plasmato la forma della moda contemporanea. Coco Chanel è artefice di una liberazione del corpo femminile, che alle stecche di balena sostituiva un più morbido e confortevole jersey; a Elsa Schiaparelli si attribuisce la prima vera fusione fra arte e moda, che nelle sue collezioni si univano in abiti stravaganti, accessori scultorei e colori sgargianti - erano gli anni in cui l'haute couture nasceva nelle boutique parigine.

Oggi, i nomi delle due più celebri couturière del XX secolo sono sinonimo di un'eleganza assoluta e atemporale, ma contemporaneamente molti altri cadono nell'oblio nonostante il loro immenso valore. Donne come Madeleine Vionnet, Madame Grès, Jeanne Lanvin o le Sorelle Fontana, erano un tempo associate a un lusso pionieristico che instillava nella sartoria degli ideali sociali, politici ed estetici, e metteva in discussione la cultura masochista a colpi di cuciture. Imprenditrici, creative, rivoluzionarie, questi personaggi dell'haute couture del 900 sono quantomai attuali, modelli di intraprendenza ed emancipazione da ricordare, preservare e tramandare

Madame GrèsMadame Grès
Scultrice di tessuti, Germaine Krebs, nota come Madame Grès (1903-1993), è antesignana della moda come ricerca estetica, come un processo di riscoperta dell'arte e delle culture antiche che rivivono sotto forma di peplo. “Volevo diventare una scultrice in quanto per me lavorare un tessuto o la pietra è la stessa cosa”. Amante della bellezza ellenica, della tradizione scultorea greco-romana cui si ispira per i suoi abiti, ha anticipato nelle sue creazioni il minimalismo di The Row, l'utilizzo di stampe e stoffe africane e tribali di Dolce & Gabbana. Giocando con volumetrie, linee e drappeggi senza cuciture, Madame Grès ha guidato per oltre cinquant'anni la sua maison, Alix, fondata nel 1942, vestendo nel corso degli anni grandi dive del cinema fra cui Marlène Dietrich e Greta Garbo.
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Abito di Alix by Madame Grès, ottobre 1937.
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Mrs. Leo d'Erlanger (Edwina) in abito Alix by Madame Grès fotografata da Horst P. Horst, 1936.
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Abito di Alix by Madame Grès e gioielli Boucheron. Foto di Horst P. Horst per Vogue USA, settembre 1937.
Getty ImagesMadeleine VionnetMadeleine Vionnet
Corsetti, pannier, rigidità. Parole che non erano congeniali alla visione di abbigliamento di Madeleine Vionnet (1876-1975), e che grazie a lei iniziarono il processo di decadimento completato da Coco Chanel. Nota per l'assoluta morbidezza delle sue creazioni, Vionnet è celebre per essere stata la prima a introdurre il taglio di sbieco nella couture. Si tratta di un taglio in diagonale di 45° rispetto al verso della trama e dell'ordito, sul quale la maison possiede i diritti d'autore, in grado di donare estrema elasticità agli abiti, rendendoli più elastici, fluidi e sensuali. Sua caratteristica era anche la silhouette a sirena, amatissima a Hollywood, fra i modelli più desiderati dalle donne negli anni 30 e 40. Abilissima sarta, disegnava bozzetti che, per la maggior parte delle modelliste, si rivelano impossibili da cucire, e lei stessa seguiva l'intero processo di creazione delle sue collezioni.
Getty ImagesMadeleine VionnetHoyningen-Huene - Vogue 1933
Mme. Jean Bonnardel indossa un abito creato da Vionnet e gioielli Cartier.
Getty ImagesMadeleine VionnetHoyningen-Huene - Vogue 1933
Mme. Jean Bonnardel indossa un abito in georgette con ampia cappa e guanti, tutto Vionnet, cui abbina gioielli Cartier.
Getty ImagesMadeleine VionnetMadeleine Vionnet's dress. Paris, around 1935.
Un design originale di Madeleine Vionnet, 1935.
Getty ImagesJeanne LanvinJeanne Lanvin
Con una maison che tutt'oggi porta il suo nome, Jeanne Lanvin (1867-1946) è certamente fra i talenti più avanguardisti del 900. Romantica e femminile, la sua estetica si compone di ricchi ricami floreali, di colori delicati e di design vaporosi ed eterei, che rappresentano la controparte fiabesca del costume anni 30. Colonna portante della sua maison era però il suo ruolo di madre: con la nascita della figlia Marguerite nel 1897, la sua ispirazione sarà catalizzata dalla forza e dalla tenerezza del rapporto madre figlia, che sceglierà anche come simbolo e logo della maison Lanvin (ad oggi, il brand conserva ancora il celebre logo noto come “la donna e la bambina”). Sarà proprio la maternità a renderla la prima designer della storia a creare una linea di abbigliamento per bambini, con completi coordinati a quelli delle mamme. Eclettica creatrice, Jeanne Lanvin è una donna d'affari a tutto tondo, fra le prime a espandere una maison di haute couture nel campo degli accessori e dei profumi.
Getty ImagesJeanne LanvinJeanne Lanvin Dressmaker
Una modella posa con abito Lanvin.
Getty ImagesJeanne LanvinVogue 1938
Una modella, fotografata da Horst P. Horst, indossa un abito da sposa Lanvin in organza bianca con fiori ricamati abbinato a un cappello a falda larga.
Getty ImagesJeanne LanvinFashion Photography From Lipnitzki
Un design originale di Jeanne Lanvin, con cappello in feltro conico e velo di tulle, 1937.
Getty ImagesSorelle FontanaSorelle Fontana
Zoe, Micol e Giovanna Fontana sono le sorelle dietro la cui intraprendenza si cela il successo dell'omonimo atelier romano, la cui fama internazionale ha contribuito a creare il mito del Made in Italy. Nato in concomitanza con il fiorire di Cinecittà e del Neorealismo, l'atelier diventa meta obbligatoria per tutte le grandi attrici dell'epoca, da Audrey Hepburn a Ava Gardner e Lauren Bacall, passando per le dive nazionali tra cui Gina Lollobrigida e Sophia Lauren. A consacrare definitivamente la maison delle Sorelle Fontana, sono i costumi che le designer crearono per Anita Ekberg per il suo ruolo ne La Dolce Vita di Federico Fellini (1960), abiti sontuosi e raffinati, fra i più celebri della storia del cinema. Loro sono anche le prime divise del personale di volo Alitalia, realizzate nel 1950. Oggi, molti dei modelli dell'atelier sono conservati presso prestigiosi musei, tra cui il Metropolitan e il Guggenheim di New York e il Louvre di Parigi.
Getty ImagesSorelle FontanaAva Gardner Modeling Designer Gown
Ava Gardner a Roma nell'atelier delle Sorelle Fontana, mentre indossa un abito della maison in taffetà nero e pizzo di Spagna, decorato con una rosa di tessuto sui fianchi.
Getty ImagesSorelle FontanaPleated Cocktail Dress
Un abito da cocktail delle Sorelle Fontana in broccato di seta, con gonna plissé e una giacca peplo che si apre sui fianchi.
Getty ImagesSorelle FontanaA model wearing a dress from Fontana sisters' fashion collection
Una modella indossa un abito con guanti a tre quarti e cappello con veletta coordinati, creati dalle Sorelle Fontana negli anni 50.
Getty ImagesClaire McCardellClaire McCardell
Claire McCardell (1905-1958) è considerata la madre della moda americana, nonché la prima designer statunitense ad aver creato una linea d'abbigliamento sportivo. Nonostante un periodo di apprendistato a Parigi, immersa nell'atmosfera della couture europea, sarà lo street style americano a influenzare maggiormente le sue creazioni. Affascinata dalla moda maschile, da cui prenderà in prestito fusciacche, cravatte e completi per le sue collezioni femminili, utilizzava tessuti comodi e pratici, come il calicò, il denim e il jersey di lana. Grande amica dell'iconica Diana Vreeland, che le farà da mentore e consigliera, Claire McCardell pone la prima pietra dell'American Look che oggi trova il suo rappresentante in Ralph Lauren.
Getty ImagesClaire McCardellVogue 1952
Lisa Fonssagrives posa con un ampio abito a righe bianche e rose di Claire McCardell.
Getty ImagesClaire McCardellVogue 1943
Due ensemble creati da Claire McCardell: a sinistra, una mise con cappotto reversibile; a destra un completo con gonna e giacca in total denim.
Getty ImagesClaire McCardellVogue 1949
Un design originale con gonna plissé e giacca sagomata di Claire McCardell, cui si abbinano un cappello di paglia di Brewster e una borsa Phelps. La modella è fotografata da Horst P. Horst.
Getty ImagesMary QuantMary Quant
Se oggi indossiamo la minigonna, lo dobbiamo a Mary Quant (1934). La stilista britannica creò questo capo iconico negli anni 60, e sin da subito si impose come simbolo dell'abbigliamento rock femminile. Appassionata di musica e grande fan dei Beatles, la designer plasmerà le sue collezioni nelle subculture musicali londinesi, concentrate nelle variegate Carnaby Street e King's Road. Oltre alla minigonna, a lei si devono gli stivali di gomma, quelli alti al ginocchio, le maxi zeppe, senza contare l'abito a quadri e le giacche corte in vinile. Stilista prediletta della modella Twiggy, è stata definita dallo scrittore Bernard Levin come “l'alta sacerdotessa della moda degli anni 60”. Amica di Vidal Sassoon e attiva frequentatrice dei salotti più chic dell'epoca, Mary Quant è stata insignita, nel 2014, del titolo di Dama Comandante dell'Ordine dell'Impero Britannico dalla Regina Elisabetta II “per i servizi resi alla moda britannica”.
Getty ImagesMary QuantQuant Boots
Da sinistra: Anne Goddet indossa una scarpa 'Pin Up' e uno stivale in suede con nastri modello 'Plantagenet'; la modella Ika indossa la stringata con zeppa in suede ‘Sprinter e gli stivali al ginocchio con allacciatura posteriore modello ‘Jacob’s Ladder'. Tutte le calzature sono firmate Mary Quant.
Getty ImagesMary QuantStrapless Dress
Una modella indossa il tubino ‘Shoe-fly-pie’ di Mary Quant, creato per valorizzare le forme del corpo femminile.
Getty ImagesMary QuantFashion by Mary Quant, 1970
Una modella posa per le strade di Londra in total look Mary Quant, 1970.
Getty ImagesElsa PerettiElsa Peretti
Elsa Peretti (1940) è considerata una delle più grandi disegnatrici di gioielli del XX secolo, un talento eclettico e multiforme che per anni ha collaborato con Tiffany & Co. Dopo una carriera da modella, si dedicò interamente al design, spostandosi dall'Europa a Manhattan, centro dell'Alta Gioielleria dell'epoca. Le sue creazioni si distinguono per il loro approccio dinamico e moderno, lontano dallo sfarzo dei monili classici, e più vicino a un'ideale di eleganza minimale e sofisticata. Fra i suoi materiali prediletti svettano l'argento sterling, giada, lacca e rattan, che si univano in gioielli dalla silhouette fluida e leggera, spesso ispirati alla cultura asiatica. Sin dalle prime collezioni per Tiffany & Co., il suo successo fu enorme, soprattutto fra i consumatori più giovani che ne apprezzavano l'originalità, e ancora oggi restano fra i più venduti.
Getty ImagesElsa PerettiDenver Post Archives
Alcune creazioni in oro e argento di Elsa Peretti realizzate per Tiffany & Co., tra cui un candelabro e un porta carte, 1980.
Getty ImagesElsa PerettiVogue 1974
La modella Lois Chiles posa con un abito Halston e una collana di perle e onice di Elsa Peretti.
Getty ImagesElsa PerettiSolid Gold Mesh Bra
L'iconico reggiseno in mesh di oro puro realizzato da Elsa Peretti per la New York Fashion Week del 1975.
Getty ImagesSonia RykielSonia Rykiel
Nel documentario Karl Lagerfeld si disegna del 2014, il designer afferma che un chiaro ricordo di sua madre era il suo guardaroba, interamente firmato Sonia Rykiel. Soprannominata come la “regina del tricot” Sonia Rykiel (1930-2014) inizia la sua carriera nella moda creando maglioni in pura lana molto ampi, realizzati durante la gravidanza per la necessità di indossare capi comodi, e passati alla storia come i maglioni Poor Boy. Grande conoscitrice della lana, tessuto che rimarrà sempre al centro delle sue collezioni, sperimenterà molte tecniche di lavorazione e ricamo, tra cui le cuciture a vista e gli orli incompiuti. A lei si devono inoltre i primi capi in maglieria con slogan e scritte stampate. Amante del total black e di un'eleganza semplice e ricercata, è da molti paragonata a Coco Chanel sia per l'impiego di tessuti elastici e confortevoli, sia per la passione condivisa per il colore nero. Molti designer iconici, tra cui Yves Saint Laurent, Giorgio Armani e Jean-Paul Gaultier, hanno affermato di considerarla musa, ispirazione e maestra per il proprio stile.
Getty ImagesSonia RykielDéfilé Sonia Rykiel Prêt-à-Porter Automne-Hiver 1979-80
Sonia Rykiel presenta la collezione Autunno Inverno 1979-80.
Getty ImagesSonia RykielDéfilé Sonia Rykiel, Prêt-à-Porter Printemps-été 1985
La sfilata Primavera Estate 1985 di Sonia Rykiel.
Getty ImagesSonia RykielDéfilé Sonia Rykiel, Prêt-à-Porter Automne-Hiver 83-84 en mars 1983
La collezione Autunno Inverno 1983-84 di Sonia Rykiel.
Getty Images

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“I was at the Hôtel Ritz in Paris, between shows during fashion week. I was there drinking tea or a cappuccino, I don’t remember which. Franca Sozzani was sitting nearby. She was resting too. We had never met before. Then a mutual friend of ours came up and introduced us. Franca said to me, ‘I like your jacket [a black Balenciaga].’ That’s how it all began. We started talking and she asked me for my phone number. I never imagined that just seven days later she would call me to ask, ‘Could you fly to Singapore and do a photo shoot of some artists for the art issue?’ Naturally, I agreed.”

These are the words of Rushka Bergman, a fashion editor, moviemaker and artist. Hailing from Serbia, she contributed to L’Uomo Vogue for over a decade, starting in 2007. She created cover stories featuring people like Steven Spielberg, Tim Burton and Michael Jackson – she was Jackson’s personal stylist and creative consultant. “I brought the great celebrities to L’Uomo. I contacted them and organised the photo shoots, worked on the sets and introduced my creativity. And everything went smoothly. Franca and I never disagreed. Our working relationship was easy going. She never once knocked on my work. She just said ‘Bravissima!’ cover after cover.” Rushka continues: “For years L’Uomo Vogue filled a gap. There was no menswear magazine on that high level.”

 Was it hard as a woman working for a men’s magazine? “When you’re an artist it hardly matters whether you’re a woman or a man. To a stylist, it’s much the same. The only discriminating factor is taste. Either you have it or you don’t. It’s something you have within you, whatever country you come from. There are no barriers and no borders. It’s a universal language. And it’s powerful.” The most complex part of her work was “always managing to choose clothes that pushed celebrities to try something new without going too far. They had to be just right to enable you to get the best photo.” 

Did she ever feel overawed by a super celebrity? “No. The bigger the person, the more confident they are, and working with them gets easier. Steven Spielberg, for instance, turned up on the set without a manager or agent and we were able to get through it all very quickly. The younger they are, the more complicated it gets. They have a crowd of people in tow – publicists, agents, managers – who all want to have their say.”

Which was the cover she loved the most? “Michael Jackson. He was special. The number one show business character in recent years. And after him, finding other celebrities for L’Uomo was even easier.”

Opening photograph by Francesco Carrozzini, from L’Uomo Vogue’s archive.

L'Uomo, n. 8, May 2020 

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A 73 anni dall'inizio del Festival di Cannes, l'ambita Palma d'oro resta uno dei massimi riconoscimenti dell'industria. Il premio è stato assegnato ad alcuni dei più grandi autori della storia - Roberto Rossellini, Orson Welles, Henri-Georges Clouzot, Luis Buñuel - e la sua prospettiva globale è rimasta coerente, con riconoscimenti a nuovi film che si assumono il rischio di fare luce su problemi sociali urgenti, da qualsiasi paese provengano. Nonostante l'annullamento dell'edizione di quest'anno a causa della crisi del coronavirus, la sua influenza continua a farsi sentire, in particolar modo dopo il successo, sia di critica sia commerciale, del vincitore della Palma d'oro dell'anno scorso: l'audace thriller di Bong Joon-ho Parasite.

Il 23 maggio avrebbe dovuto essere annunciata la Palma d'oro 2020 del Festival di Cannes; per l'occasione ecco una lista di 10 film vincitori da rivedere ora, da un musical surreale degli anni '70 a un commovente dramma famigliare giapponese.

1. La Dolce Vita (1960) La Dolce Vita, 1960.Film and Television
La Dolce Vita, 1960.
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Non c'è introduzione migliore all'opera di Federico Fellini di questo esuberante capolavoro. Ambientato in sette decadenti giorni romani, parla di un giornalista stanco del mondo (Marcello Mastroianni) a caccia di storie per la sua rubrica di pettegolezzi. Le donne che insegue sono glamour ed enigmatiche - Anouk Aimée brilla nel ruolo di un'ereditiera annoiata - ma la più affascinante è Anita Ekberg nella parte di una star del cinema che, dopo aver ballato fino a tarda notte, entra nella Fontana di Trevi con un lungo abito da sera.

2. Blow-Up (1966) Blow Up, 1966.Film and Television
Blow Up, 1966.
Photography Shutterstock

Veruschka con un abito da cocktail coperto di perline, Vanessa Redgrave con una camicia a quadri e Jane Birkin con un miniabito a righe - le attrici che popolano il classico cult di Michelangelo Antonioni sono tanto incisive quanto maestre di stile. Interpretano i soggetti e le diverse prospettive di un fotografo di moda (David Hemmings) la cui vita è scombussolata quando incappa nella scena di un omicidio. È un thriller che si sdoppia in un ritratto vibrante della Swinging London, completa di feste scatenate e colonna sonora rock'n'roll.

3. Taxi Driver (1976) Taxi Driver, 1976.Taxi Driver - 1976
Taxi Driver, 1976.
Photography Shutterstock

Il racconto di alienazione urbana di Martin Scorsese conta sulla performance che ha consacrato Robert De Niro. Nel ruolo di un veterano del Vietnam riconvertito in tassista gira per le strade di New York turbato dalla corruzione e dallo sfruttamento in cui s'imbatte. Presto si farà strada la violenza, ma c'è una bellezza inaspettata nell'allucinato impianto visivo e nella colonna sonora del film: un sogno febbricitante di cartelli al neon, marciapiedi bagnati di pioggia e vapore che si alza sinistramente dai tombini.

4. Apocalypse Now (1979) Apocalypse Now, 1979.Apocalypse Now - 1979
Apocalypse Now, 1979.
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In questa elettrizzante epopea di guerra, un soldato (Martin Sheen) viaggia dal Vietnam alla Cambogia in missione segreta per assassinare un colonnello disertore. Risoluto nella rappresentazione degli orrori della guerra, il film passa da campi cosparsi di napalm a giungle inghiottite dalle fiamme, fino a un bombardamento sulle note della Cavalcata delle valchirie di Wagner. Al di là delle scene passate alla storia, è una meditazione sull'assurdità della guerra e sulle ferite psicologiche che si lascia dietro.

5. All That Jazz - Lo spettacolo continua (1979) All That Jazz - Lo spettacolo continua, 1979All That Jazz - 1979
All That Jazz - Lo spettacolo continua, 1979
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Lo spettacolare musical semi-autobiografico di Bob Fosse apre su un turbinio di slanci di gambe e jazz hands, ma sotto la superficie brillante le cose sono molto più complicate. Il film gira intorno a un eccentrico coreografo (Roy Scheider) che si destreggia tra progetti a Broadway e a Hollywood, correndo tra i teatri e le sale di montaggio fino a perdere progressivamente contatto con la realtà. Ci sono sequenze di danza da sogno, costumi elaborati e bizzarre incursioni nella mente di un genio creativo.

6. Kagemusha - L'ombra del guerriero (1980) Kagemusha- L'ombra del guerriero, 1980.Film and Television
Kagemusha- L'ombra del guerriero, 1980.
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Nel Giappone feudale del XVI secolo, la morte di un principe viene nascosta tramite un sosia, un ladruncolo che gli somiglia in modo impressionante. Tatsuya Nakadai interpreta felicemente entrambi i ruoli, nella sua penultima collaborazione con il leggendario regista Akira Kurosawa. È un'epopea di samurai che miscela intrighi di corte shakespeariani e battaglie esplosive, culminando in una terrificante scena in cui l'impostore lascia che la sua arroganza abbia la meglio.

7. Paris, Texas (1984) Paris Texas, 1984.Film and Television
Paris Texas, 1984.
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I vasti paesaggi del sud ovest americano sono lo sfondo poetico del malinconico road movie di Wim Wenders. Il film inizia con un vagabondo (Harry Dean Stanton) che cammina solo nel deserto. Dopo una misteriosa assenza di quattro anni, viene trovato dal fratello (Dean Stockwell) e parte per ritrovare la moglie perduta (Nastassja Kinski). Vale la pena di vederlo anche solo per la performance di quest'ultima, commovente, misurata, per non parlare del bob sfilato e del miniabito di mohair fucsia che l'hanno resa un'icona di stile.

8. Lezioni di Piano (1993) Lezioni di Piano, 1993.The Piano - 1993
Lezioni di Piano, 1993.
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Con questo affascinante dramma in costume, Jane Campion è diventata la prima, e ancora l'unica, donna regista a vincere il premio principale di Cannes. Le intense interpretazioni delle due attrici hanno ricevuto un Oscar: Holly Hunter nel ruolo di una vedova scozzese muta e Anna Paquin in quello della sua precoce figlioletta. Le due vengono spedite in Nuova Zelanda dopo che la prima è stata promessa in matrimonio a un proprietario terriero, ma la tragedia si profila quando accetta di dare lezioni di piano a un rude boscaiolo (Harvey Keitel) di cui si innamorerà.

9. Un affare di famiglia (2018) Un affare di famiglia, 2018'Shoplifters' Film - 2018
Un affare di famiglia, 2018
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Una famiglia poco convenzionale è al cuore del delicato studio sulla povertà moderna a Tokyo di Hirokazu Kore-da. Una banda composta da un'anziana matriarca, una coppia, una ragazza e un bambino fa quadrare i conti con i furti nei supermercati. Presto, prendono con loro una bambina (Miyu Sasaki) che sospettano stia subendo abusi da parte dei genitori. La bambina è stata rapita o salvata? Il film non offre molte risposte ma cattura con il calore, la compassione e la lucida visione del mondo.

10. Parasite (2019) Parasite, 2019.'Parasite' Film - 2019
Parasite, 2019.
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Parasite è il primo film a vincere sia la Palma d'oro sia l'Oscar come Miglior film dopo Marty nel 1955, l'audace satira di Bong Joon-ho ha consolidato il suo posto nella storia del cinema. Una travolgente e spassosa commedia che combina la commedia nera con l'horror di hitchcockiana memoria e il realismo sociale - una fiaba su due clan, uno povero ma ambizioso e uno ingenuo e benestante, le cui vite si intersecano. La scenografia è impeccabile, i dialoghi pungenti ed è innegabile una crescente inquietudine.

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Per oltre un secolo, dalla fine dell’Ottocento e per tutto il Novecento, le riviste hanno funzionato in un modo semplice: la maggior parte delle donne comprava magazine femminili, che si rivolgevano a un particolare archetipo di donna occidentale, mentre gli uomini compravano i maschili, che facevano sognare di poter assomigliare a un certo tipo di mito virile. Una divisione legata al pubblico che si intende raggiungere, naturalmente, e di conseguenza agli inserzionisti pubblicitari che si vogliono attirare. Le cose, oggi, non sono più così semplici.

Non c’è, nel 2020, un tasso di certezza su questa anagrafica simile a quello che ci sarebbe stato settanta, trenta, perfino quindici anni fa. Come detto, la distinzione esiste dai primissimi vagiti dei magazine dell’era contemporanea, un periodo iniziato a fine 1800 e che continua fino a ora: per esempio Vogue Usa, quando viene acquistato da Condé Montrose Nast nel 1909, diventa un mensile per un pubblico femminile – nato nel 1892, era generalista e settimanale – e, da quel momento, inizia a espandersi enormemente, con le prime edizioni oltreoceano – Inghilterra e poi Francia – già negli anni Dieci e Venti. Anche Vanity Fair, oggi considerato dal mercato un femminile, inizia nel primo decennio come un “gendered magazine”, però maschile, con grande accento sui contenuti culturali: sulle sue pagine firmavano articoli e opinioni T. S. Eliot e P. G. Wodehouse. Per quanto riguarda i maschili più famosi, invece, è nel 1931 che nasce Apparel Arts, rivista di tessuti e moda maschile per addetti ai lavori, che si trasformerà in Gentlemen’s Quarterly, e successivamente GQ, nel 1958 – e da una cui costola nascerà Esquire, nel 1933. Da lì, e fino a oggi, le due grandi strade parallele dei periodici hanno continuato a esistere più o meno immutate o con poche modifiche davvero rilevanti, così come, d’altra parte, le posizioni occupate dai totem dell’uomo e della donna nelle società occidentali.

Negli ultimi dieci anni, più o meno, le cose sono cambiate drasticamente: quelli che sembravano colossi, gli archetipi di ciò che è maschile e ciò che è femminile, non si sono limitati a mutare pochi dettagli per staccarsi dalla tradizione, ma sono esplosi sotto decine di spinte di diverso tipo e forza. Confini spariti, certezze polverizzate. La moda si è adattata più rapidamente di altri settori, sperimentando felicemente; la cultura cerca ancora una via precisa, goffa e impigliata in centinaia di imbarazzi, mentre politicamente la confusione della ridefinizione ha portato alla nascita di sacche di conservatorismo più violente ed estreme che in passato. Così l’editoria, che deve tenere insieme tutti questi ambiti, si è ritrovata a chiedersi: hanno ancora senso le distinzioni tra maschili e femminili?

Una risposta è difficile perché, per la prima volta, quegli stessi modelli sono in discussione. «Una rivista di successo deve costruire un mito a cui i lettori possano credere», diceva Harold Heyes, storico direttore di Esquire negli anni Sessanta. Quello che manca, oggi, è proprio quel mito. L’obiettivo di una rivista è di nuovo, quindi, il più difficile: ricostruire un’identità.

Il numero di ottobre 2019 di GQ Usa è stato dedicato alla “New Masculinity”. In copertina, Pharrell è vestito con un abito-piumino di Moncler Genius disegnato da Pierpaolo Piccioli, lungo fino ai piedi. Non soltanto il tema – come sta cambiando ed è cambiato il concetto di mascolinità, appunto – mostra un’attenzione nuova ai confini dei generi, sono anche i colori della fotografia scelta – toni vivaci e brillanti finalmente accostati anche ai guardaroba maschili – a introdurre un cambiamento nell’immagine mostrata dell’uomo. Jim Nelson, il direttore di GQ che ha preceduto l’attuale editor-in-chief Will Welch, ha detto alla Columbia Journalism Review: «Gli uomini non scompariranno, e nemmeno la mascolinità. Ma l’idea è di approcciarla in una modalità nuova e moderna». In Italia, Giovanni Audiffredi ha iniziato un’operazione simile da quando è stato nominato direttore di GQ, nel gennaio 2019. «Il fatto di voler salvaguardare un’identità di genere è ancora utile dal punto di vista editoriale: esiste la beauty da uomo, esistono, commercialmente, dei consumi “maschili”», dice, e spiega poi parte di questa operazione di riposizionamento, partita dalla versione online: «Qui abbiamo eliminato la categoria “Girls”, che faceva numeri enormi. È stata una scelta coraggiosa, ma ne eravamo convinti. Sono due anni, ormai, che ci battiamo contro l’identità di maschio tossico, malato di adrenalina».

È stato proprio l’online il territorio più pericoloso, negli ultimi anni, quello in cui si è rischiato di perdere la battaglia per l’identità: «Quando finisci per essere uno dei venti siti che scrivono un pezzo sul raffreddore di Kylie Jenner, non hai più molti modi di differenziarti dagli altri», diceva nel novembre 2019 a Business of Fashion Mikki Halpin, creative consultant ex Mtv e Glamour. La causa è semplice: lo spostamento degli investimenti commerciali su internet ha portato alla sacralizzazione del “traffico”, metriche quantitative che ignorano quasi completamente la qualità e la fidelizzazione, concetti fondamentali, in passato, per il successo delle riviste.

Eppure superare le barriere di genere, affermava Johanna Blakey, managing director del Norman Lear Center all’Università della Southern California, nel 2010 in un TED Talk, è «un imperativo finanziario». Allora, se da un lato il rischio di riviste troppo gendered è quello di escludere lettori in un’epoca in cui si legge sempre meno, e al capo opposto della corda c’è il pericolo dell’annacquamento, qual è una giusta via di mezzo? Ci sono esempi di magazine che mantengono una chiara identità di genere pur avendo un pubblico ampio: è il caso di The Cut, il “femminile” del New York Magazine diretto da Stella Bugbee, che tiene in equilibrio tematiche di genere, femminismo, spettacolo e molta politica fatta bene, certamente meglio di tanti “generalisti”; ma è anche il caso dei “gemelli” The Gentlewoman e Fantastic Man. Sono dimostrazioni che la strada da seguire non è quella che porta a diluire la propria identità, ma a mantenerla seguendo nuove sensibilità e, piuttosto, aprire a un pubblico unisex coinvolgendo nuove firme e inserendo argomenti, articoli e reportage “no gender”.

Anche la versione italiana di GQ ha visto aumentare molto, negli ultimi mesi, le lettrici: «Il 38% dei lettori digitali e frequentatori dei social di GQ, da TikTok a Instagram, fino al sito, sono donne», spiega Audiffredi, «e abbiamo oltre il 30% di lettrici print. Credo che questo sia perché la lettrice donna è più abituata a un contenuto qualitativamente alto: per anni, in passato, la qualità giornalistica era più alta nei femminili».

Eppure, mentre le testate più storiche cercano di aprire a pubblici più ampi, c’è una spinta verticale di magazine sempre più gendered e indipendenti. Una reazione che non è però conservativa, e indica una naturale tendenza alla ricerca di un equilibrio, testimonianza del fatto che esiste una grande energia – soprattutto dal lato femminile – nel voler affermare una nuova identità di genere. Gli esempi sono di natura diversa, ma accomunati da una proposta editoriale molto concentrata su una nicchia. Ci sono: magazine curatissimi nella grafica e nell’estetica come Riposte, rivista statunitense in cui le protagoniste sono solo donne; riviste maschili dall’ispirazione vintage come The William Brown Project, lanciato da Matthew Hranek, già editor di Condé Nast Traveller: un’esplosione di alcolici, tweed, automobili, buon cibo e completi su misura. E ancora: nuove ibridazioni come quella dell’inglese Season, fondata da Felicia Pennant, che unisce calcio, femminismo e diritti Lgbtq+. «L’obiettivo è quello di mostrare, celebrare e rafforzare le figure femminili nel calcio», spiega Pennant, un passato a Elle, GQ e Nylon, «ma anche discutere e portare allo scoperto questioni che in quel mondo non sono abbastanza affrontate, come omofobia e sessismo». Anche sui social nascono progetti verticali: l’organizzazione Women’s March non avrebbe avuto lo stesso successo senza il supporto di Instagram, in cui continua a vivere quasi come una testata; un esempio simile è l’organizzazione femminista Time’s Up. In Italia – ma con canali seguitissimi anche in inglese e spagnolo –, va segnalato il successo di veri e propri media online-only come Freeda, con quasi 2 milioni di follower. E non ci sono solo testate: troviamo anche personaggi che sono istituzioni a sé stanti, come Karley Sciortino, columnist per Vogue Usa, soprattutto veterana fondatrice del sex-blog cult Slutever, che continua a vivere, in modo nuovo, sempre su Instagram. Il discorso, tra parentesi, è diverso per le pubblicazioni Lgbtq+, da sempre più identitarie e radicate, con titoli che hanno fatto la storia dell’editoria non soltanto indie come Butt Magazine o Girls Like Us.

Capita, e spesso, di scambiare un processo di transizione – anche in cose delicate come il genere – per un terremoto o una catastrofe. Succede nella società, e succede naturalmente in editoria, un ambito che vuole riflettere l’immagine di quella società. La sfida, difficile ma interessante, è quella di costruire un modello diverso, innovativo, ma non del tutto nuovo. Un’evoluzione, prima di una rivoluzione.

In apertura: una delle copertine di Vogue Italia di maggio 2020, uscito in edicola insieme con L'Uomo Vogue e dedicato al dialogo tra maschile e femminile

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